Il grande libro dedicato alle maschere della Commedia dell'Arte

“Nel suo periodo blu <a href="https://arte.sky.it/news/mostra-picasso-louvre" target="_blank">Pablo Picasso</a> dipinse dei malinconici Arlecchini, dei Pierrot sognanti, dei personaggi circensi ai quali affidò le paure e i drammi interiori di uomo e di artista. Nelle colorate movenze delle sue maschere non c’è la gioia del carnevale, delle feste mascherate, dei giocosi duetti galanti del palcoscenico, ma qualcosa di più profondo, qualcosa che ci introduce in un meraviglioso quanto enigmatico mondo”. In queste parole introduttive al volume c'è tutta l'essenza di Maschere, la nuova pubblicazione di <a href="https://www.nomosedizioni.it/" target="_blank">Nomos Edizioni</a> dedicata alle immagini e ai personaggi affini alla storia della Commedia dell'Arte. Una storia complessa, sfaccettata, e osservabile secondo una duplice valenza: teatrale e culturale. 
<h2>LE FIGURE DELLA COMMEDIA DELL'ARTE</h2> Autrici del catalogo sono Patrizia Albé e Patrizia Foglia. Sondando con ammirevole dedizione gli aspetti passati e i risvolti presenti di questo tema, il mito della maschera viene indagato attraverso una ricca selezione di opere grafiche, poster, incisioni d'epoca e illustrazioni realizzati tra il Seicento – con qualche incursione nella produzione del secondo Cinquecento – e il Novecento. 

In questa perlustrazione, immagini d'archivio e approfondimenti critici e storiografici si compensano, intessendo una narrazione dove la maschera viene descritta come elemento vitale, componente imprescindibile della società passata e moderna. Zanni, <a href="https://arte.sky.it/archivio/2020/02/arlecchino-binasco-teatro-argentina-roma" target="_blank">Arlecchino</a>, Pulcinella, Pantalone, Corallina e molti altri “tipi” in maschera fanno capolino dalle pagine del volume, introducendo il lettore in una dimensione nella quale i confini tra “essere” e “apparire” si fanno sottili. Fino a confondersi. 
<h2>IL CULTO DELLA MASCHERA</h2> “Le maschere sono divenute l’emblema di un modo di fare teatro e di viverlo, soprattutto nel periodo originario che vide il sorgere della Commedia dell’Arte sulle basi di un teatro all’improvviso fatto da artisti di strada, ciarlatani e commedianti nelle tante fiere popolari”, continuano le autrici nelle prime pagine del libro. “Si sono poi trasformate in 'tipologie standardizzate', spesso legate, come nell’esperienza delle compagnie italiane in Francia, a singole figure di attori dei quali hanno 'assorbito' l’identità. Ma la maschera della Commedia ha via via ispirato l’ironia di caricaturisti, illustratori, pubblicitari: fuori dal contesto teatrale, che per antonomasia resta quello a loro più congeniale, le maschere della Commedia dell’Arte – in particolare Arlecchino, su tutte la più longeva e conosciuta – si ritrovano infatti in ambiti artistici e sociali molto diversi”. Un volume di raro spessore teorico, per conoscere in maniera approfondita il fascino esercitato dalla maschera sulla società nel corso degli ultimi cinque secoli. 
[Immagine in apertura: Émile-Edmond Ollivier, Costumes de la Comédie Italienne – Costume aus der italienischen Comœdie. Tavola da Alexis-François Artaud de Montor, L’Univers. Histoire e description de tous les peuples. Italie, par M. le Chevalier Artaud, Paris, Firmin Didot Frères Editeurs, 1835. Acquaforte acquerellata a mano. BAS.]

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Apre a Firenze il Museo delle Icone russe

La reggia medicea nel cuore di Firenze apre le sue porte al pubblico sfoggiando un nuovo allestimento. Stiamo parlando di quattro grandi sale con affreschi seicenteschi che affacciano sul cortile al piano terra di <a href="https://arte.sky.it/archivio/2019/09/icone-russe-palazzo-pitti-firenze" target="_blank">Palazzo Pitti</a>. Questi ambienti restaurati non solo entrano a far parte del percorso di visita, ma accolgono in maniera permanente le 78 icone delle <a href="https://arte.sky.it/news/uffizi-firenze-miglior-museo-mondo" target="_blank">Gallerie degli Uffizi</a>, dando vita al Museo delle Icone russe. “L’esposizione permanente delle icone a Palazzo Pitti diventerà un evento di grande valore per il nostro intenso dialogo nel campo della cultura” , sottolinea l’ambasciatore della Federazione Russa in Italia Sergey Razov. <h2>IL MUSEO DELLE ICONE RUSSE A FIRENZE</h2> “La raccolta di icone fiorentina si distingue dalle altre per il fatto di esser composta prevalentemente da esemplari di piccole e medie dimensioni, destinati alla devozione privata delle famiglie e a essere portati in viaggio”, ha dichiarato il direttore delle Gallerie degli Uffizi Eike Schmidt. Gli esemplari più antichi della collezione, eseguiti fra il XVI e il XVII secolo, sono attribuibili a pittori che lavoravano per la corte degli zar nel Palazzo dell’Armeria del Cremlino a Mosca, fulcro produttivo di questo genere di opere prima della fondazione della nuova capitale San Pietroburgo. Ovviamente, i modelli della scuola moscovita furono d’ispirazione anche per la realizzazione di icone più piccole ‒ destinate alla devozione domestica e personale ‒, prodotte per lo più nelle botteghe provinciali. Verso la fine del Settecento la collezione fu esposta nella Galleria degli Uffizi ma, subito dopo, molte delle opere vennero rimosse dal percorso espositivo. A oggi, dopo alcuni tentativi di rinserimento delle Icone negli itinerari museali fiorentini non andati a buon fine, questi esemplari trovano la loro dimora, accompagnati dalla mostra virtuale La Luce del Sacro: Icone russe a Palazzo Pitti, visitabile sul <a href="https://www.uffizi.it/mostre-virtuali/la-luce-del-sacro" target="_blank">sito degli Uffizi</a> e curata da Daniela Parenti, curatrice della pittura Medievale e del Quattrocento, e delle Icone russe degli Uffizi. <h2>LE ICONE DELLA RACCOLTA FIORENTINA </h2> Tra le opere più prestigiose della raccolta sacra spiccano i due pannelli che compongono il Menologio, il calendario delle festività religiose ortodosse divise in semestri, e l’icona con Santa Caterina d’Alessandria, databile al 1693-94, mentre gli esemplari più antichi della collezione sono l’icona raffigurante la Madre di Dio e quella con la Decollazione del Battista. Infine, l'unico autore riconoscibile è Vasilij Grjaznov, che realizzò l'Icona della Madre di Dio di Tichvin, datata 16 luglio 1728. [Immagine in apertura: un dettaglio del Menologio, courtesy Gallerie degli Uffizi]

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