Tutto quello che c'è da sapere sulla Biennale Arte 2024

Si intitola <a href="https://arte.sky.it/news/biennale-arte-venezia-2024" target="_blank">Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere</a> la 60. Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia, attesissimo appuntamento dedicato all'arte contemporanea in programma dal 20 aprile al 24 novembre 2024. Come sempre, la rassegna si svolgerà tra le storiche sedi espositive lagunari dell'Arsenale e dei Giardini della Biennale e nel centro storico. Mentre il conto alla rovescia avanza, il curatore brasiliano Adriano Pedrosa, direttore del <a href="https://arte.sky.it/archivio/2020/03/lina-bo-bardi-mostra-architettura-citta-messico" target="_blank">MASP - Museu de arte de São Paulo</a>, e il Presidente della Biennale di Venezia Roberto Cicutto hanno reso noti i dettagli della kermesse.<h2>STRANIERI OVUNQUE È IL TITOLO DELLA BIENNALE ARTE 2024</h2> Come già annunciato, il titolo dell’esposizione prende ispirazione da una serie di sculture al neon realizzate a partire dal 2004 dal collettivo <a href="https://arte.sky.it/foto/hypermaremma-claire-fontaine-left-right" target="_blank">Claire Fontaine</a>, fondato lo stesso anno a Parigi e con sede a Palermo. Le installazioni riportano, in diverse lingue, le parole “stranieri ovunque”. Un'espressione, spiega Pedrosa, che “ha più di un significato. Innanzitutto, vuole intendere che ovunque si vada e ovunque ci si trovi si incontreranno sempre degli stranieri: sono/siamo dappertutto. In secondo luogo, che a prescindere dalla propria ubicazione, nel profondo si è sempre veramente stranieri”.<h2>DUE NUCLEI PER LA MOSTRA CURATA DA ADRIANO PEDROSA</h2> Come da tradizione, oltre alle singole partecipazioni nazionali, cuore dell'evento è la Mostra internazionale del curatore. Per il 2024 si articolerà secondo due fulcri distinti, denominati Nucleo Contemporaneo e Nucleo Storico. Protagonisti del primo saranno gli "artisti che sono essi stessi stranieri, immigrati, espatriati, diasporici, émigrés, esiliati e rifugiati". Prevista anche la partecipazione di artisti queer – i quali “saranno presenti in ogni spazio e costituiranno il fulcro di un’ampia sezione nelle Corderie, nonché di un’area dedicata all’astrazione queer nel Padiglione Centrale” –, di ousider – coloro che sono "ai margini del mondo dell’arte, proprio come l’autodidatta" – e di artisti indigeni. Questi ultimi, in particolare, “avranno una presenza emblematica e le loro opere accoglieranno il pubblico nel Padiglione Centrale, con un murale monumentale realizzato dal collettivo brasiliano Mahku sulla facciata dell’edificio, e nelle Corderie, dove il collettivo Maataho di Aotearoa/Nuova Zelanda presenterà una grande installazione nella prima sala”.<h2>SPAZIO ALLA DIASPORA ARTISTICA ITALIANA NEL MONDO</h2> Il Nucleo Storico, invece, “è composto da opere del XX secolo provenienti dall’America Latina, dall’Africa, dall’Asia e dal mondo arabo”, specifica Pedrosa. Dando spazio ai modernismi dei territori extraeuropei si intende fare luce su storie e percorsi che restano tutt’oggi in gran parte sconosciuti. Tre sale nel Padiglione Centrale saranno coinvolte nell'esposizione del Nucleo Storico e ciascuna è associata a un tema. Si va dalla sala dei Ritratti, in cui “il tema relativo alla figura umana sarà esplorato in innumerevoli modi diversi dagli artisti del Sud globale, riflettendo sulla crisi della rappresentazione dell’umano che ha caratterizzato gran parte dell’arte del XX secolo”, a quella dedicata alle Astrazioni, dove spiccano artisti indigeni Maori come Selwyn Wilson e Sandy Adsett. Infine l’ultima sala è incentrata sulla diaspora artistica italiana nel mondo, e raccoglie 40 opere di artisti emigrati all’estero, di prima o seconda generazione. <h2>90 PAESI ALLA BIENNALE DI VENEZIA 2024</h2> A chiudere questa panoramica sulla Biennale Arte 2024 sono i dati relativi alle partecipazioni nazionali, che saranno 90 quest'anno – debuttano Repubblica del Benin, Etiopia, Repubblica Democratica di Timor Leste e Repubblica Unita della Tanzania; Nicaragua, Repubblica di Panama e Senegal prendono parte alla kermesse per la prima volta con un proprio padiglione; a quota 30 si attestano gli eventi collaterali approvati dal curatore. Luca Cerizza, con il progetto Due qui / To hear dell'artista <a href="https://arte.sky.it/archivio/2018/08/luminarie-e-antiche-iscrizioni-la-palermo-di-manifesta-12-secondo-massimo-bartolini" target="_blank">Massimo Bartolini</a>, comprensivo di contributi appositamente ideati da musiciste/i e da scrittrici/scrittori, cura il <a href="https://arte.sky.it/news/luca-cerizza-curatore-padiglione-italia-biennale-venezia-2024" target="_blank">Padiglione Italia</a> allestito alle Tese delle Vergini, all'Arsenale. [Immagine in apertura: Foreigners Everywhere (English), 2005. Tecnolux ultra violet, 10mm glass, back-painted, framework, electronic transformer, cables. Photo by Studio Claire Fontaine. Copyright Studio Claire Fontaine. Courtesy of Claire Fontaine and Galerie Neu, Berlin]

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La Pop Art si impone come movimento artistico nel Regno Unito alla fine degli anni Cinquanta, per poi radicarsi negli Stati Uniti come risposta all’arte "colta”, rappresentata dall’onda dell'Espressionismo astratto. Che si trattasse di una glorificazione dei miti della cultura di massa, o di una critica alla società contemporanea, la <a href="https://arte.sky.it/news/serata-arte-contemporanea-programmi-tv-6-agosto" target="_blank">Pop Art</a> statunitense ha dato vita ad alcuni dei pezzi più iconici della storia dell’arte: gran parte di questi sono in mostra dal 16 febbraio al 15 settembre al <a href="https://arte.sky.it/news/guggenheim-museo-bilbao-benessere" target="_blank">Guggenheim Museum di Bilbao</a>.<h2>LA POP ART CONQUISTA BILBAO</h2> Composta da oltre quaranta opere provenienti dalla collezione del museo, Simboli e oggetti. Pop Art della Collezione Guggenheim riunisce una selezione dei più influenti artisti del Novecento (arricchita da alcune proposte contemporanee che ampliano l’eredità del movimento): dai celebri dipinti “a fumetti” di <a href="https://arte.sky.it/news/roy-lichtenstein-studio-casa-studenti" target="_blank">Roy Lichtenstein</a> a <a href="https://arte.sky.it/news/claes-oldenburg-scultura-new-york" target="_blank">Claes Oldenburg</a>, da <a href="https://arte.sky.it/archivio/2017/04/morte-james-rosenquist-pop-art-pittura" target="_blank">James Rosenquist</a> all’immancabile<a href="https://arte.sky.it/news/mostra-andy-warhol-museo-fanteria-roma" target="_blank"> Andy Warhol</a>. E poi gli assemblaggi di <a href="https://arte.sky.it/news/robert-rauschenberg-catalogo-ragionato" target="_blank">Robert Rauschenberg</a>, composti da cartone, plastica e rottami. Spostandoci verso l'Europa, troviamo invece i manifesti dell’italiano <a href="https://arte.sky.it/archivio/2019/10/mimmo-rotella-mostra-catanzaro" target="_blank">Mimmo Rotella</a>, e le ceramiche della francese<a href="https://arte.sky.it/news/libro-niki-de-saint-phalle" target="_blank"> Niki de Saint Phalle</a>. Elemento nevralgico dell’esposizione è l'installazione monumentale di Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen, Soft Shuttlecock (1995). Creata appositamente per la rotonda del <a href="https://arte.sky.it/news/guggenheim-museum-new-york-programmi-tv-21-luglio" target="_blank">Guggenheim Museum di New York</a>, l’opera rappresenta un gigantesco volano da badminton, le cui enormi dimensioni rimpiccioliscono ironicamente l’imponente struttura dell’edificio.<h2>IL GUGGENHEIM MUSEUM E LA POP ART</h2> La storia del Solomon R. Guggenheim Museum e della Pop Art si intrecciano fin dagli albori: è proprio al Guggenheim di New York che, nel 1963, il curatore britannico Lawrence Alloway – che solo qualche anno prima, nel 1958, aveva coniato il termine “Pop Art” – allestì la storica mostra Six Painters and the Object, considerata un momento di svolta nella storia del movimento d'oltreoceano. Inizialmente, Alloway avrebbe voluto intitolare la rassegna Signs and Objects, frase che oggi torna simbolicamente nell’esposizione spagnola.
[Immagine in apertura: Niki de Saint Phalle, Neuilly-sur-Seine, Francia, 1930–La Jolla, California, EE. UU., 2002 Sin título, 1979. Lápiz de cera, acrílico y lápiz de color sobre fibra de vidrio 67,3 × 125,7 × 62,2 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, donación, Susan Morse Hilles Estate 2002.38. Foto: Ariel Ione Williams, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York. © Niki Charitable art Foundation, VEGAP, Bilbao, 2024]

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