La grande arte internazionale per le mostre 2026 del Pirelli HangarBicocca 

Un biennio che promette di ridefinire la relazione tra pubblico e arte contemporanea: così il <a href="https://arte.sky.it/news/2025/mostra-nan-goldin-hangar-bicocca-milano" target="_blank">Pirelli HangarBicocca</a> di Milano annuncia il programma espositivo 2026-2027, un mosaico di otto grandi mostre monografiche dedicate a protagonisti italiani e internazionali. Dal corpo come territorio d’indagine alla ritualità dei gesti quotidiani, dall’abitare come esperienza percettiva alle narrazioni che intrecciano suono, tecnologia e memoria, gli artisti coinvolti – da Benni Bosetto a Rirkrit Tiravanija, da Carlos Bunga a Janet Cardiff & George Bures Miller – propongono visioni capaci di interrogare il presente con profondità e immaginazione. 
<h2>IL BIENNIO DELLE MOSTRE DEL PIRELLI HANGARBICOCCA</h2>
Si parte il 12 febbraio 2026 con la prima grande mostra istituzionale di Benni Bosetto, che trasformerà lo Shed in un ambiente domestico pulsante. Stanze, pareti e superfici diventeranno estensioni del corpo, narrazioni intime che inviteranno a riflettere su cura, identità e ritualità quotidiana. La sua pratica, sospesa tra disegno, scultura, installazione e performance, introdurrà la principale chiave di lettura dell’intero biennio: l’indagine sui modi in cui il corpo abita lo spazio.
Pochi mesi dopo, il 26 marzo 2026, le Navate accoglieranno la retrospettiva di Rirkrit Tiravanija, tra i protagonisti assoluti dell’arte relazionale. L’artista reinventerà l’architettura dell’Hangar attraverso installazioni ispirate a edifici iconici di Schindler, Kiesler e Le Corbusier, trasformando lo spazio in un paesaggio di incontri, attività condivise e possibilità ritmiche.
<h2>LE MOSTRE DEL 2026, DA AKI SASAMOTO A LUCIANO FABRO</h2>
Dal 17 settembre 2026, lo Shed cambierà nuovamente volto con la mostra di Aki Sasamoto, che porterà in Europa la sua prima grande rassegna. Attraverso installazioni performative, video e sculture attivate dal corpo, Sasamoto costruisce sistemi instabili e poetici che indagano memoria, tempo e bizzarrie del quotidiano. Le sue composizioni, spesso animate da improvvisazioni e gesti enigmatici, creano un rapporto diretto con lo spettatore, interrogando il senso stesso della connessione umana.
Pochi giorni dopo, l’8 ottobre 2026, le Navate accoglieranno la retrospettiva dedicata a Luciano Fabro, figura centrale dell’<a href="https://arte.sky.it/news/2025/arte-povera-appunti-storia-programmi-tv-27-aprile" target="_blank">Arte Povera</a> e tra gli artisti che più profondamente hanno ripensato l’idea di abitare lo spazio. La mostra, visitabile fino al 21 febbraio 2027, presenterà sculture e installazioni realizzate dal 1960 in poi, tracciando un percorso rigoroso che mette in luce la sua esplorazione della percezione, delle forme e dei materiali – dal marmo al vetro, dal ferro alla seta. Un omaggio attesissimo, che riporta nella città in cui Fabro ha vissuto un corpus di opere che continua a influenzare generazioni di artisti.
<h2>LE ANTICIPAZIONI DAL PROGRAMMA DEL 2027</h2>
Il 2027 si aprirà con un ciclo di mostre che approfondiranno il rapporto tra materia, architettura e narrazione. Tra febbraio e luglio 2027, lo Shed ospiterà la prima grande mostra italiana di Carlos Bunga, artista che costruisce e demolisce architetture effimere per rendere visibile la fragilità della memoria e delle strutture sociali.
Tra marzo e luglio 2027, invece, le Navate si trasformeranno in un paesaggio immersivo grazie a Janet Cardiff & George Bures Miller, duo canadese che ha reinventato l’esperienza sensoriale nell’arte contemporanea. Seguirà la più ampia mostra monografica mai dedicata in Italia all'artista marocchino Hicham Berrada, tra microcosmi illuminati, reazioni fisiche controllate, ambienti sospesi tra laboratorio scientifico e scenografia onirica.
A chiudere il biennio, da ottobre 2027 a febbraio 2028, sarà l’attesissima retrospettiva di Cecilia Vicuña, artista, poetessa e attivista cilena che intreccia poesia, materiali organici e memoria indigena in opere delicate e politiche al tempo stesso. 
[Immagine in apertura: Rirkrit Tiravanija, untitled 2006 (palm pavilion), 2006-08. Veduta dell’installazione, kurimanzutto, Città del Messico, 2008. Courtesy l’artista e kurimanzutto]

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Il kimono (maschile) si mette in mostra a Venezia

A Venezia, il Museo di Palazzo Mocenigo torna a volgere lo sguardo a Oriente, con una mostra che promette di riscrivere la geografia del gusto e della storia del tessuto: Il kimono maschile. Trame di vita, racconti di stile. 
Fino al 4 aprile 2026, nelle sale del Centro Studi di Storia del Tessuto, del Costume e del Profumo, prende vita un itinerario che – curato da Silvia Vesco e Lydia Manavello, in collaborazione con il Museo d’Arte Orientale di Venezia – esplora l’eleganza maschile giapponese. Accanto ad Haori e Nagajuban della fine dell’Ottocento e del primo Novecento, molti mai esposti prima, prende forma un racconto nel quale il <a href="https://arte.sky.it/foto/arte/mostra-kimono-prato" target="_blank">kimono</a> maschile diventa un dispositivo narrativo in cui la sobrietà esteriore cela universi segreti.
<h2>LA STORIA DELLA MODA GIAPPONESE MASCHILE IN MOSTRA A VENEZIA</h2>
È osservando la parte interna del kimono (il cosiddetto ura moyō, il “motivo sul retro”) che la mostra trova una delle sue rivelazioni più intriganti. Le fodere dei capi, trasformate in manifesti personali nell’epoca moderna, parlano una lingua intima e al tempo stesso universale. Le dieci sezioni del percorso svelano temi che oscillano dalla spiritualità ai miti popolari, dalla storia antica al fervore delle riforme Meiji, passando per crisi economiche e simboli della modernizzazione. Tra divinità shinto-buddhiste, samurai, proverbi e leggende del teatro Nō e Kabuki, l’abito maschile emerge come specchio di una raffinatezza discreta, dove l’eleganza non si proclama ma si suggerisce. Ogni motivo, ogni pennellata di colore, ogni scena nascosta sulla seta diventa un tassello di identità: un codice segreto attraverso cui l’uomo giapponese del primo Novecento definisce cultura, appartenenza, stile. 
<h2>L’ARTE DEL KIMONO MASCHILE </h2>
Il viaggio prosegue tra suggestioni artistiche inattese: le opere delle grandi scuole pittoriche – dalle atmosfere liriche di Utamaro ai paesaggi fluidi di <a href="https://arte.sky.it/news/2023/mostra-paesaggi-hokusai-hiroshige" target="_blank">Hiroshige</a>, dalle nature pulsanti di Jakuchū alla modernità decorativa di Sekka – entrano nel tessuto stesso del kimono, trasformandolo in una galleria portatile. Accanto a esse, un insolito sguardo sul mondo dei bambini testimonia l’entusiasmo per l’Occidente: piccoli kimono decorati con treni, sport, simboli militari, veri manifesti della modernità nipponica. La natura, come sempre nel mondo giapponese, rimane presenza guida: fiori, onde, animali, paesaggi diventano frammenti filosofici cuciti sulla superficie. E poi la modernità degli Omoshirogara, i “motivi bizzarri” degli anni Trenta e Quaranta, che celebrano progresso, propaganda, scambi globali.
[Immagine in apertura: kimono]

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