Carlo Scarpa ritrovato: restaurata l'ala che progettò nel museo di Possagno

Una delle testimonianze più significative dell’architettura museale del Novecento torna ad accogliere il pubblico dopo un importante intervento di restauro avviato nel giugno 2025. Al <a href="https://arte.sky.it/news/2024/restauro-museo-gypsotheca-antonio-canova-ala-ottocentesca" target="_blank">Museo Gypsotheca Antonio Canova</a> di Possagno (Treviso) è infatti nuovamente accessibile l’ala progettata da Carlo Scarpa, un luogo dove il linguaggio innovativo dell'influente progettista veneziano si misura con l’eredità artistica dello scultore neoclassico. 
L’intervento – promosso dalla Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio per le Province di Padova, Treviso e Belluno e sostenuto da un finanziamento straordinario del Ministero della Cultura, pari a 460mila euro – restituisce alla pubblica fruizione uno spazio di straordinario valore culturale e simbolico: si tratta di uno dei più alti esempi della ricerca progettuale di Scarpa, applicata alla museografia.
<h2>A POSSAGNO, NEL MUSEO GYPSOTHECA ANTONIO CANOVA RIAPRE L’ALA CARLO SCARPA </h2>
Realizzata nel 1957, l'estensione intitolata a <a href="https://arte.sky.it/news/2026/centro-accoglienza-memoriale-brion-carlo-scarpa">Carlo Scarpa</a> ha richiesto un intervento particolarmente complesso a causa delle caratteristiche costruttive che la rendono un’opera tanto affascinante quanto delicata. Prima dell’avvio del cantiere è stato condotto un approfondito programma di studi e analisi coordinato dall’Università IUAV di Venezia, con ricerche archivistiche, rilievi strumentali e indagini diagnostiche finalizzate a comprendere le trasformazioni subite dall’edificio nel corso dei decenni. Protagonista del restauro è stato il celebre Cannocchiale, spazio simbolico che conclude il percorso espositivo e dirige lo sguardo del visitatore verso il gruppo scultoreo delle Tre Grazie.
Il progetto, sviluppato dallo studio Muratori e Zanon di Padova, è stato seguito in tutte le fasi dall’ex soprintendente Vincenzo Tiné insieme alla direzione del Museo Gypsotheca Antonio Canova e ai tecnici coinvolti. Un lavoro multidisciplinare che ha unito competenze architettoniche, storiche e conservative per restituire integrità e leggibilità a un’opera considerata fondamentale nella storia dell’<a href="https://arte.sky.it/news/2026/mostra-architettura-italiana-maxxi" target="_blank">architettura italiana contemporanea</a>.
<h2>RISCOPRIRE L'ARCHITETTURA MUSEALE DI CARLO SCARPA</h2>
I lavori hanno interessato innanzitutto la messa in sicurezza della copertura e il miglioramento del sistema di smaltimento delle acque meteoriche, individuato come una delle principali cause del degrado dell’edificio. Successivamente si è proceduto al rifacimento della copertura con il recupero dei materiali originali ove possibile, mentre all’interno del Cannocchiale sono stati restaurati intonaci, superfici lapidee, elementi lignei e metallici nel pieno rispetto dell’aspetto originario degli ambienti. Particolare attenzione è stata dedicata anche alle grandi vetrate, sottoposte a interventi di consolidamento e protezione.
Parallelamente è stato avviato un innovativo progetto pilota sulle teche espositive progettate da <a href="https://arte.sky.it/foto/altro/architettura-carlo-scarpa-libro-casa-canal-grande-venezia" target="_blank">Carlo Scarpa</a>, finalizzato a sviluppare metodologie per il restauro e la messa in sicurezza dell’intero sistema museografico, anche sotto il profilo antisismico. La disponibilità di nuovi fondi ministeriali consentirà ora di estendere queste attività all’intero allestimento dell’Ala Scarpa, aprendo una nuova fase di tutela e valorizzazione di un capolavoro.
[Immagine in apertura: Ala Scarpa - George Washington e Autoritratto di Antonio Canova, Museo Gypsotheca Antonio Canova, Possagno (TV). Ph credits: Lino Zanesco]

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La storia di uno dei templi più spettacolari dell'Egitto

Il fermento creativo di Londra si mette in mostra con il Gallery Weekend

Oltre 120 gallerie distribuite nei diversi quartieri di Londra aprono le porte ai visitatori per tre giorni, dal 5 al 7 giugno, trasformando la capitale britannica nel centro nevralgico dell’arte contemporanea internazionale. Succede grazie alla sesta edizione del London Gallery Weekend, un evento ormai consolidato nel panorama europeo, capace di attirare collezionisti, curatori, artisti e appassionati da tutto il mondo. 
L’edizione di quest’anno si distingue per la forte attenzione a temi che attraversano la società contemporanea: identità, memoria, relazioni umane, crisi ambientale, capitalismo avanzato e trasformazioni culturali. 
<h2>IL GALLERY WEEKEND DI LONDRA</h2>
Tra le esposizioni più significative spicca Tainted Love, alla Kristin Hjellegjerde Gallery fino al 20 giugno, una collettiva che prende il titolo dall’iconica canzone resa celebre dai Soft Cell e che affronta il tema dell’intimità nelle sue molteplici sfaccettature. Attraverso le opere di artisti come Roxana Halls, Caroline Wong, Tamsin Morse ed Eileen Cooper, la mostra esplora amore, perdita, alienazione e riconoscimento sociale, interrogandosi su come le relazioni vengano influenzate da crisi politiche, pandemie e mutamenti culturali.
Alla Nicoletti Contemporary, invece, Gray Wielebinski presenta Bring Me Men, visitabile fino al prossimo 4 luglio. Partendo da uno slogan utilizzato per decenni dall’Accademia dell’Aeronautica militare statunitense, l’artista analizza i meccanismi attraverso cui la mascolinità viene costruita e rappresentata, mettendo in discussione stereotipi e modelli di potere attraverso installazioni, collage e sculture che riflettono sulla cultura americana contemporanea.
<h2>LE MOSTRE DA NON PERDERE NELLE GALLERIE DI LONDRA</h2>
La riflessione sull’identità personale e collettiva attraversa anche altre mostre di particolare rilievo. Alla Public Gallery, fino al 7 giugno, la fotografa statunitense Shaniqwa Jarvis presenta Only Love Will Break Your Heart, la sua prima personale nel Regno Unito. Un progetto immersivo nato dall’elaborazione del lutto per la perdita della madre, che trasforma la fotografia in un’esperienza fisica e multisensoriale. Tra superfici riflettenti, installazioni ambientali e materiali traslucidi, il visitatore è chiamato a confrontarsi con i temi della memoria, della resilienza e della fragilità emotiva.
Grande attesa anche per il ritorno a Londra di Roni Horn, dopo oltre dieci anni: alla Hauser & Wirth, fino al 1° agosto, l’artista americana espone Seizure of Hope, una serie di 76 opere su carta in cui il testo, alterato dall’acqua e quasi cancellato, diventa metafora della precarietà del significato e della condizione umana. Il progetto ruota attorno alla frase “I am paralysed with hope”, tratta da un monologo della comica Maria Bamford, trasformandola in una riflessione poetica sulle incertezze del presente. Di tutt’altro tono ma altrettanto intensa è Joy Through Resistance: He Who Laughs Last, Laughs Best, la prima mostra personale londinese di Yinka Ilori alla Cristea Roberts Gallery, aperta fino all’11 luglio.
<h2>DALLA HAUSER & WIRTH ALLA THADDAEUS ROPAC </h2>
Tra le proposte più innovative del Gallery Weekend figura anche Grown: The Altering of Innocence and Experience, in programma alla William Hine Gallery fino al 25 luglio, dove Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia intreccia riferimenti alla mitologia classica, alla letteratura e alle proprie radici spagnole, nigeriane e tedesche per raccontare il passaggio dall’innocenza dell’infanzia alla complessità dell’età adulta. Alla Thaddaeus Ropac, fino al 31 luglio, Oliver Beer presenta The Sky in the Cave, una spettacolare installazione che combina pittura, musica e ricerca archeologica. Dopo anni di studi nelle grotte preistoriche della Dordogna, l’artista sviluppa una riflessione sul rapporto tra suono e immagine, trasformando la galleria in un ambiente immersivo dove l’arte dialoga con le origini della creatività umana.
Alla Approach Gallery, fino al 7 giugno, Sara Cwynar espone Baby Blue Benzo, un progetto che prende spunto dalla vendita record di una Mercedes-Benz 300 SLR per analizzare la cultura del lusso, la spettacolarizzazione dei consumi e l’estetica dei social network. Completa il percorso Time Fold di Daniel Arsham, da Perrotin fino all’8 agosto, una rilettura della storia attraverso il concetto di “archeologia fittizia”, e la collettiva The Desert Wind Will Salt Your Ruins alla Krupa Gallery, aperta fino all’11 luglio, che utilizza il sale come potente metafora delle dinamiche di conservazione, distruzione e trasformazione che caratterizzano il nostro tempo. 
[Immagine in apertura: Harley Weir, The Garden, Hannah Barry Gallery, 2025]

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