I migliori padiglioni nazionali alla Biennale di Venezia

La <a href="https://arte.sky.it/news/2026/presentazione-biennale-arte-2026" target="_blank">61esima Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia</a> ha da poco aperto i battenti, e già si presenta come una delle edizioni più coerenti e politicamente sensibili degli ultimi anni. Sotto il titolo In Minor Keys, la mostra immaginata dalla compianta curatrice <a href="https://arte.sky.it/news/2025/biennale-arte-2026-venezia-koyo-kouoh" target="_blank">Koyo Kouoh</a> invita artisti e padiglioni nazionali a riflettere su fragilità, relazioni, materia e identità senza ricorrere al gigantismo spettacolare che ha spesso dominato le grandi esposizioni contemporanee.
Nei Giardini e soprattutto all’Arsenale emerge una Biennale più lenta, tattile e partecipativa, dove il pubblico diventa parte attiva delle opere. Dai rituali collettivi alle installazioni immersive, dai materiali poveri alle pratiche collaborative, molti Paesi sembrano aver raccolto l’invito a ripensare il ruolo stesso del padiglione nazionale. In questo scenario, alcuni progetti riescono a distinguersi per lucidità curatoriale e capacità di interpretare il presente: ecco la nostra selezione.
<h2>IL PADIGLIONE ITALIA DI CHIARA CAMONI CURATO DA CECILIA CANZIANI</h2>
Al <a href="https://arte.sky.it/foto/arte/padiglione-italia-biennale-arte-venezia-2026" target="_blank">Padiglione Italia,</a> Chiara Camoni riesce a governare gli enormi spazi delle Tese dell’Arsenale con una mostra rigorosa e poetica, Con Te Con Tutto, curata da Cecilia Canziani. Nella prima parte del percorso, una processione di sculture antropomorfe in terracotta e materiali artigianali costruisce un paesaggio sacrale che evita il gigantismo ma non rinuncia alla monumentalità. Le opere dialogano con lo spazio industriale senza sovrastarlo, lasciando respirare l’architettura. Nella seconda tesa il progetto si apre invece alla collaborazione, intrecciando i lavori di Camoni con opere di artisti storici e contemporanei come Medardo Rosso, Marisa Merz e Luciano Fabro. Il risultato è un ambiente corale, attraversato da riferimenti alla natura, al rito, all’artigianato e alla relazione tra gli artisti. L’assenza quasi totale di allestimenti superflui e l’attenzione alla sostenibilità produttiva rendono il Padiglione Italia uno dei più convincenti dell’intera Biennale.
<h2>LE BAMBOLE DI CUI PRENDERSI CURA AL PADIGLIONE DEL GIAPPONE</h2>
Tra i padiglioni più partecipativi spicca quello del Giappone, dove l’artista nippo-americano Ei Arakawa-Nash trasforma la visita in un’esperienza collettiva e straniante. Grass Babies, Moon Babies, curato da Lisa Horikawa e Mizuki Takahashi, invita i visitatori a prendersi cura di duecento bambole distribuite all’interno dello spazio espositivo. Portarle in braccio, cambiarne il pannolino o semplicemente accompagnarle durante il percorso significa entrare in una riflessione sulla cura come pratica sociale, emotiva e politica. Dietro l’apparente leggerezza kitsch del progetto si nasconde una riflessione sul lavoro invisibile, spesso attribuito alle donne, e sulle trasformazioni della società giapponese contemporanea. L’esperienza evolve nel corso dei sette mesi della Biennale grazie all’interazione del pubblico e alla collaborazione con istituzioni artistiche e università internazionali. Arakawa-Nash, già noto per le sue pratiche performative e partecipative vicine alle esperienze <a href="https://arte.sky.it/news/2022/fluxus-mostra-milano" target="_blank">Fluxus</a> e Gutai, amplia qui il concetto di padiglione nazionale trasformandolo in uno spazio aperto, queer e diasporico, dove identità e appartenenza vengono continuamente ridefinite.
<h2>IL PADIGLIONE PARTECIPATIVO, MATERICO E “INSTABILE” DELL’ARGENTINA</h2>
Il padiglione dell’Argentina è invece uno dei più radicali sul piano materico e politico. L’artista Matías Duville occupa l’intero spazio dell’Arsenale con Monitor Yin Yang, un’enorme installazione a pavimento composta da sale e carbone che il pubblico è chiamato inevitabilmente a calpestare. Ogni passo modifica l’opera, sposta la polvere, altera i disegni e consuma progressivamente la superficie. Duville trasforma così il disegno in un’esperienza spaziale e temporale, dove il gesto dello spettatore diventa parte integrante del lavoro. Sale e carbone evocano rispettivamente acqua e combustione, origine e distruzione, costruendo un paesaggio fragile e post-apocalittico in linea con la poetica dell’artista argentino. Ma il progetto assume anche un forte valore politico: selezionato in un clima di drastici tagli culturali imposti dal governo di Javier Milei, il padiglione è stato realizzato attraverso reti di sostegno private e sponsor indipendenti. L’instabilità materiale dell’opera sembra così riflettere anche quella delle istituzioni culturali argentine, mentre il visitatore viene reso consapevole del proprio impatto fisico e simbolico sullo spazio che attraversa.
<h2>LA PERFORMANCE DI MIET WARLOOP AL PADIGLIONE DEL BELGIO</h2>
Nel padiglione del Belgio si entra invece in una dimensione performativa dominata dal movimento e dal linguaggio. L’artista Miet Warloop, con la curatela di Caroline Dumalin, presenta IT NEVER SSST, un’installazione sonora e vivente attivata da performer che animano oggetti in gesso e terracotta attraverso coreografie rituali. Il progetto riflette sulla difficoltà contemporanea di costruire relazioni autentiche in un mondo apparentemente iperconnesso ma emotivamente impoverito. I gesti ripetuti, le azioni collettive e la presenza fisica dei corpi cercano di restituire centralità all’esperienza umana e alla comunicazione non verbale. Anche il pubblico viene coinvolto in questo processo di attivazione, entrando a far parte di una sorta di rito condiviso sospeso fra teatro, danza e scultura. Particolarmente significativa è la collaborazione con gli studenti dell’Accademia di Belle Arti di Venezia, chiamati a realizzare gli elementi scenici dell’opera.
<h2>L’ARTE IMMERSIVA E DIGITALE AL PADIGLIONE DELLA GRECIA</h2>
Il padiglione della Grecia affronta invece il tema dell’identità nazionale attraverso una delle installazioni più intelligenti e immersive della Biennale. L’artista e architetto Andreas Angelidakis, con la curatela di George Bekirakis, trasforma lo spazio espositivo in una sorta di escape room ispirata alla caverna di Platone. Il visitatore si muove in un ambiente ambiguo dove realtà, gioco e simulazione si sovrappongono continuamente. L’approccio ludico diventa però uno strumento critico per riflettere sull’ascesa dei populismi nazionalisti e sulla crisi stessa del concetto di padiglione nazionale. Angelidakis suggerisce che le strutture nate per rappresentare identità statali oggi rischiano di apparire anacronistiche dentro un mondo dominato da immagini artificiali, repliche digitali e realtà manipolate. Il percorso costringe il pubblico a interrogarsi su ciò che è autentico e su ciò che invece è costruzione ideologica. Tra illusioni ottiche e atmosfere da videogioco, il padiglione greco riesce così a parlare del presente con ironia e inquietudine, offrendo una delle riflessioni più acute dell’intera Biennale.
[Immagine in apertura: Biennale 2026. Padiglione Germania. Ph. Irene Fanizza]

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Un museo di Torino cerca 100 luci per un'opera collettiva

“Ci presti la tua luce?”. Con questo insolito appello il <a href="https://arte.sky.it/news/2024/biblioteca-mao-museo-arte-orientale-torino" target="_blank">MAO – Museo d'Arte Orientale</a> di Torino ha lanciato nei giorni passati il progetto We need your light, che mira a coinvolgere cittadini e visitatori nella creazione di un’installazione condivisa. L'istituzione piemontese ha infatti chiesto agli interessati di portare al museo una lampada, che a partire da ottobre farà parte di un'opera al centro di una nuova mostra.
Il progetto definitivo dell’installazione non è stato svelato, per offrire a tutti i visitatori una vera sorpresa. Quel che è certo è che il contributo dei singoli partecipanti risulterà determinante per costruire un’esperienza visiva composta da cento diverse fonti luminose, allestite in un unico percorso narrativo. L’invito conferma una delle missioni principali del MAO – Museo d'Arte Orientale, che si propone come luogo culturale dinamico e <a href="https://arte.sky.it/news/2025/librogioco-bambini-museo-mao-torino" target="_blank">aperto alla partecipazione</a> della comunità. 
<h2>LA NUOVA INIZIATIVA ARTISTICA E PARTECIPATA DEL MAO DI TORINO</h2>
Un elemento centrale del progetto è la costruzione di un legame tra il museo e il suo territorio, con il primo che affianca alla sua finalità divulgativa una nuova idea: quella di diventare un luogo di interazione tra pubblico e arte. L’iniziativa si pone in continuità con <a href="https://arte.sky.it/news/2026/mostre-giappone-primavera-2026" target="_blank">The Soul Trembles</a>, la grande monografica dedicata all’artista giapponese <a href="https://arte.sky.it/video/artbox-ep-8-1061634" target="_blank">Chiharu Shiota</a> in programma fino al 28 giugno nelle sale del MAO.
Un altro aspetto interessante del progetto è la valorizzazione del vissuto individuale: ai partecipanti selezionati verrà infatti chiesto di registrare un breve video in cui descrivono il valore affettivo che li lega alla lampada lasciata in prestito. Questi racconti saranno parte integrante della futura installazione. L’<a href="https://arte.sky.it/news/2026/inside-out-jr-laquila" target="_blank">opera collettiva</a> combinerà dunque tecnologia, design e ricordi personali per dare vita a una visione condivisa, destinata ad arricchire la proposta espositiva del museo torinese.
<h2>100 LAMPADE IN PRESTITO PER REALIZZARE UNA NUOVA INSTALLAZIONE</h2>
Per assicurare la riuscita del progetto We need your light, il MAO ha definito precisi criteri per la selezione e la gestione dei materiali. Le luci potranno essere consegnate tra domenica 17 e lunedì 18 maggio, prenotandosi attraverso i canali indicati del museo. Ogni lampada deve trovarsi in buone condizioni ed essere priva di lampadine, avendo un peso massimo di 15 chili e un’altezza complessiva non superiore ai 2 metri.
I tecnici responsabili dell’allestimento interverranno poi sui sistemi elettrici e sugli ancoraggi per rendere gli oggetti idonei e sicuri per l'esposizione pubblica. Ogni partecipante può presentare fino a tre pezzi, assicurandosi di utilizzare imballaggi leggeri, resistenti e semplici da ispezionare. Ogni lampada selezionata resterà in prestito al museo torinese fino a luglio 2027, momento in cui verrà restituita ai proprietari.
[Immagine in apertura: foto di Haley Truong su Unsplash]

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