Torna la mostra che porta l'arte contemporanea ai piedi delle piramidi di Giza

Le piramidi di Giza tornano a fare da scenario a <a href="https://arte.sky.it/foto/arte/installazione-arte-contemporanea-piramidi-giza-egitto" target="_blank">Forever Is Now</a>, la mostra internazionale di arte contemporanea organizzata da Art D’Égypte by CulturVator, giunta nel 2026 alla sua sesta edizione. Aperta al pubblico dall’8 al 28 novembre, la manifestazione riunisce otto artisti provenienti da diverse parti del mondo, invitati a confrontarsi con uno dei luoghi più iconici della storia dell’umanità attraverso installazioni concepite appositamente per il sito archeologico.
Sotto il patrocinio dell’UNESCO, e con il sostegno del Ministero del Turismo e delle Antichità, di Experience Egypt e del Ministero degli Affari Esteri, l’esposizione esplora il rapporto tra passato e presente, memoria culturale e dimensione del tempo, trasformando l’altopiano di Giza in uno spazio di dialogo tra civiltà e linguaggi artistici.
<h2>LE OPERE DI “FOREVER IS NOW 2026”</h2>
Otto le opere che animano il paesaggio archeologico, ciascuna espressione di una diversa sensibilità culturale e artistica. L’artista saudita Abdulrahman Taha presenta The Gathering, una reinterpretazione monumentale del tradizionale gioco da tavola egiziano Tawula, realizzata attraverso forme scolpite nella pietra naturale per riflettere sul valore dell'incontro e della condivisione. Con Possible Landscapes, la britannico-francese Charlotte Colbert costruisce invece un ambiente surreale fatto di sculture in acciaio inossidabile, tra archi sormontati da occhi, alberi riflettenti e pozzi dei desideri, indagando il confine tra immaginazione, natura e percezione. Il francese Geoffroy Pithon porta a Giza Hortus Pictus, un insieme di sculture modulari monumentali ispirate all'Albero della Vita e ai giardini della mitologia egizia. La cinese Jiang Qiong Er, con It Is Time to Plant Love, celebra invece i settant'anni di relazioni diplomatiche tra Egitto e Cina attraverso dodici figure monumentali di guardiani, ispirate a diverse civiltà antiche e simbolo di valori universali come pace, inclusione, libertà e saggezza.
<h2>GLI ALTRI ARTISTI IN MOSTRA NEL DESERTO EGIZIO</h2>
Il rapporto tra trasformazione e continuità è al centro di Passage, l'installazione della francese-americana Raphaele Shirley, che utilizza anelli concentrici e materiali naturali come fibre di palma, vimini, canne e rame per evocare il movimento ciclico del tempo e la cosmologia egizia. A queste opere si aggiunge Celestial Vessels della britannico-giamaicana Rochelle Nembhard: otto grandi vasi in terracotta ispirati all'Ogdoad, il gruppo di otto divinità primordiali della cosmogonia egizia, disposti nel paesaggio come una costellazione e posti in relazione con le geometrie delle piramidi.
Il percorso prosegue con The King's Road dello scultore turco Seçkin Pirim, una composizione di colonne in marmo egiziano che richiama gli antichi percorsi cerimoniali e il legame tra pietra, memoria e spazio. A rappresentare la scena artistica locale è infine Emad Abu Grain, originario dell'Alto Egitto, con Talisman of Salvation: ispirata al Libro dei Morti, l'opera riflette sul viaggio verso l'eternità e sul rapporto tra consapevolezza, purezza morale e salvezza, trasformando pietra e corda in una metafora del passaggio verso la luce.
<h2>L’AMBIZIONE DEL PROGETTO “FOREVER IS NOW”</h2>
Attraverso queste otto installazioni, Forever Is Now 2026 rinnova il confronto tra l'eredità delle civiltà antiche e le sperimentazioni dell'arte contemporanea, dimostrando come un patrimonio millenario possa continuare a generare nuove interpretazioni e prospettive. Una visione condivisa da Nadine Abdel Ghaffar, fondatrice di Art D’Égypte by CulturVator, che ha ribadito l'impegno d andare oltre la dimensione espositiva, attraverso iniziative educative e programmi di coinvolgimento delle comunità, con l'intento di avvicinare i giovani all'arte e incoraggiarli a conoscere e tutelare il patrimonio culturale egiziano. In questo senso, il titolo Forever Is Now racchiude il significato stesso del progetto: l'eternità non è soltanto qualcosa che appartiene alla storia, ma una dimensione che continua a prendere forma nel presente attraverso l'arte.
[Immagine in apertura: Seçkin Pirim (Credits HIMA2)]

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C'è un labirinto di vetro nel Padiglione di Mies van der Rohe a Barcellona 

A Barcellona, il celebre padiglione progettato da <a href="https://arte.sky.it/news/2026/anniversario-edith-farnsworth-house-mies-van-der-rohe" target="_blank">Ludwig Mies van der Rohe</a> nel 1929, uno dei manifesti dell’architettura moderna, si trasforma in un labirinto di vetro capace di mettere in discussione la percezione dello spazio. È questa la sfida di Pavelló-Laberint, il progetto firmato dagli architetti Ciro Najle e Josep Ferrando. 
Dove il maestro tedesco aveva costruito un raffinato equilibrio tra pieni e vuoti, superfici e aperture, si inserisce una sequenza di pareti in vetro laminato che moltiplica prospettive e riflessi. Il risultato è un ambiente in cui i confini, pur essendo fisicamente presenti, sembrano continuamente dissolversi. 
<h2>IL NUOVO PROGETTO PER IL PADIGLIONE DI MIES VAN DER ROHE A BARCELLONA</h2>
Le superfici, disposte secondo una trama fitta di partizioni, producono un intreccio di immagini riflesse, sovrapposizioni e improvvise interruzioni visive. Ciò che inizialmente sembra aperto e accessibile si trasforma in un ambiente denso, quasi impenetrabile, dove orientarsi diventa un esercizio di continua interpretazione. Il vetro assume così la funzione ambigua di un muro: mostra e nasconde, collega e separa, suggerisce percorsi e contemporaneamente li ostacola. 
La distinzione tra interno ed esterno, già centrale nell’opera di Mies van der Rohe, lascia il posto a un’incertezza ancora più radicale: quella tra presenza e scomparsa. Il visitatore si confronta con uno spazio che sembra espandersi all’infinito, mentre la sua libertà di attraversamento si restringe. 
<h2>IL DIALOGO CON L'ARCHITETTURA MODERNISTA DI MIES VAN DER ROHE </h2>
Alla base dell’operazione c’è una scelta di estrema essenzialità: utilizzare un unico materiale, il vetro, per generare una complessità spaziale potenzialmente inesauribile. Il pavimento originale in travertino conserva la propria geometria regolare, ma il labirinto ne altera profondamente la lettura senza modificarne materialmente la struttura. È come se sul Padiglione fosse stata sovrapposta una nuova scrittura, capace di trasformare un ordine familiare in un enigma. 
Najle e Ferrando cercano dunque di portare alle estreme conseguenze i principi compositivi di Mies van der Rohe, esasperando il rapporto fra trasparenza, superficie e spazio continuo. Ne emerge una riflessione critica sull’eredità del Movimento Moderno e sulla sua aspirazione a un’architettura universale, neutrale e aperta. Pavelló-Laberint trasforma così il mito del vuoto in una presenza assoluta, dimostrando come anche il materiale più trasparente possa generare opacità, disorientamento e nuove possibilità di interpretazione.
[Immagine in apertura: Visualización digital de Pavelló-Laberint © Ciro Najle y Josep Ferrando FMVDR]

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