Nel 2023 una mostra sui dipinti a quattro mani di Warhol e Basquiat

La <a href="https://www.fondationlouisvuitton.fr/fr" target="_blank">Fondation Louis Vuitton</a> è stata, sin dalla sua inaugurazione nel 2014, una calamita per i visitatori: uno dei progetti espositivi di maggior successo ospitati nell'edificio opera dell'architetto <a href="https://arte.sky.it/archivio/2021/03/architettura-torre-frank-gehry-arles-francia" target="_blank">Frank Gehry</a> è stato quello del 2018, dedicato all'artista <a href="https://arte.sky.it/news/mostra-jean-michel-basquiat-famiglia" target="_blank">Jean-Michel Basquiat</a>, visitato da ben settecentomila persone. Prosegue pertanto in quel solco l'esposizione appena annunciata: Basquiat x Warhol, painting 4 hands, aperta dal 5 aprile al 28 agosto 2023. Il principale obiettivo della rassegna è portare alla luce una pagina ancora poco nota della storia dell'arte degli ultimi decenni: la geniale collaborazione che ebbe luogo nel biennio 1984-85 tra Jean-Michel Basquiat e <a href="https://arte.sky.it/news/andy-warhol-tv" target="_blank">Andy Warhol</a>. In solo un anno i due artisti crearono qualcosa come centosessanta opere “a quattro mani”, tra cui anche alcune delle opere più monumentali mai prodotte durante le rispettive carriere. Un altro grande esponente dell'arte di quegli anni irripetibili, <a href="https://arte.sky.it/news/keith-haring-fumetto" target="_blank">Keith Haring</a>, ebbe a dire che quella collaborazione era una sorta di “conversazione che avviene attraverso i dipinti anziché attraverso le parole”. 
<h2>LA “FACTORY” DI WARHOL E BASQUIAT</h2> Quella della Fondation Luis Vuitton sarà la più grande mostra mai dedicata a questo straordinario corpus di lavori “a due teste”. Saranno esposte un centinaio di opere realizzate in consorzio dai due artisti, assieme ad altri capolavori individuali di entrambi, nonché opere di grandi nomi attivi sul palcoscenico artistico della New York di metà anni Ottanta: Keith Haring, <a href="https://arte.sky.it/archivio/2021/05/jenny-holzer-realta-aumentata-guggenheim-museo-bilbao" target="_blank">Jenny Holzer</a> e <a href="https://arte.sky.it/archivio/2018/08/mostra-realta-virtuale-andy-warhol-david-bowie-kenny-scharf-phoenix" target="_blank">Kenny Scharf</a>. Il percorso espositivo nell'edificio del Bois de Boulogne si aprirà con un'interessante serie di scatti fotografici realizzati da Basquiat a Warhol e da Warhol a Basquiat, per evidenziare la loro profonda intesa intellettuale. Si proseguirà poi mostrando i primi lavori prodotti insieme dai due geni: durante quel periodo i dipinti si susseguivano giorno dopo giorno, ed entrambi lavoravano con grande impegno ed entusiasmo. Mentre Basquiat vedeva in Warhol un maestro, un esempio di artista in grado di creare un nuovo linguaggio creativo, Warhol apprezzava l'entusiasmo giovanile che Basquiat emanava quando vibrava le sue potenti pennellate sulla tela, preso da una sorta di vero e proprio "fuoco sacro": fu proprio grazie a lui che il padre della Pop Art dalle sofisticate serigrafie tornò a una pittura più tradizionale e su grande scala. 
<h2>IL FLUSSO CREATIVO DI WARHOL E BASQUIAT</h2> È particolarmente interessante ascoltare la versione di entrambi a proposito del processo creativo: “Andy iniziava un dipinto e ci metteva qualcosa di molto riconoscibile sopra, oppure un logo di un prodotto, e io cercavo di deturparlo. Poi tentavo di convincerlo a lavorarci ancora un po' su”, spiegava Jean-Michel Basquiat. “Penso che in questi dipinti che stiamo facendo insieme è meglio se non riesci a distinguere le parti dipinte dall'uno o dall'altro”, commentava Warhol. Era in sostanza un dialogo ininterrotto tra due persone dal retroterra quantomai differente: Warhol era figlio di immigrati divenuto affermato artista, Basquiat era invece un giovane e geniale talento appartenente alla comunità afroamericana. Quello che li accomunava era il loro genio. 
[Immagine in apertura: Jean-Michel Basquiat and Andy Warhol, 6,99, 1984 297.2 x 420.4 cm. Nicola Erni Collection © Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York; © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Licensed by ADAGP]

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Il Serpentine Pavilion 2023 sarà un invito a vivere insieme

“À table è un invito a vivere insieme, nello stesso spazio e attorno allo stesso tavolo. È un incoraggiamento a entrare in dialogo, a mettersi d'accordo e a pensare come potremmo ripristinare e ristabilire il nostro rapporto con la natura e la Terra". Con queste parole l'architetta Lina Ghotmeh introduce il "suo" <a href="https://arte.sky.it/archivio/2021/06/londra-serpentine-pavilion-counterspace" target="_blank">Serpentine Pavilion</a>, visitabile da giugno a ottobre 2023 nella consueta cornice dei <a href="https://arte.sky.it/archivio/2019/06/londra-pronto-il-serpentine-pavilion-progettato-da-junya-ishigami" target="_blank">Kensington Gardens</a>, a Londra. Con la fondatrice dello studio Lina Ghotmeh — Architecture, con sede a Parigi, prosegue la prestigiosa iniziativa che dal 2000 a oggi ha assegnato a una serie di talenti emergenti nell'architettura internazionale l'incarico di progettare un padiglione temporaneo concepito come piattaforma artistica pubblica, sperimentale e interdisciplinare. <h2>LINA GHOTMEH PROGETTA IL SERPENTINE PAVILION 2023</h2> Ghotmeh, che riceve simbolicamente il testimone dall'artista statunitense <a href="https://arte.sky.it/archivio/2018/09/theaster-gates-a-milano-nella-doppia-veste-di-artista-e-curatore" target="_blank">Theaster Gates</a>, autore del ventunesimo Serpentine Pavilion ribattezzato <a href="https://arte.sky.it/news/londra-serpentine-pavilion-theaster-gates" target="_blank">Black Chapel</a>, ha immaginato una struttura in grado di rievocare l'atmosfera e la dimensione raccolta delle capanne Toguna in uso presso il popolo Dogon in Mali, nell'Africa occidentale. Costruita con materiali di origine biologica e a basse emissioni di carbonio, À table presenta una serie di nervature in legno, di provenienza sostenibile, disposte perimetralmente a sostegno di una copertura plissettata. Dotato all'interno di un tavolo comune e di sedute, il padiglione potrà essere smontato e rimontato, estendendo così la sua durata oltre il semestre di apertura nel parco londinese. <h2>LA STORIA DELL'ARCHITETTA LIBANESE LINA GHOTMEH</h2> Adottando come denominazione l'invito francese a sedersi insieme a un tavolo, intenso in questo caso come volontà di attivare un'interazione fra esseri umani, il padiglione di Ghotmeh riflette alcuni dei temi al centro della pratica di questa progettista. Nata a <a href="https://arte.sky.it/news/installazione-ricostruzione-beirut-victoria-albert-museum-londra" target="_blank">Beirut</a>, nel 1980, ha all'attivo interventi come l'Estonian National Museum e la torre Stone Garden, situata nella capitale libanese, lega la propria attività al concetto "Archéologie du Futur". Come lei stessa ha precisato, proprio in occasione della presentazione del <a href="https://arte.sky.it/archivio/2020/02/serpentine-pavilion-londra-counterspace" target="_blank">Serpentine Pavilion</a> 2023, "scavo per progettare (e imparare) dalle tracce del passato e ascolto le voci dei miei antenati così come quelle del nostro mondo vivente. Queste voci vividamente entrare in risonanza con le strutture future come modi per influenzare e sfidare l'architettura di domani", [Immagine in apertura: Serpentine Pavilion 2023 designed by Lina Ghotmeh — Architecture Design render, exterior view. Photo © Lina Ghotmeh — Architecture Courtesy: Serpentine]

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